Zeichnung von Jean Cocteau - Vis à Vis 1963

Blick auf Mandello Lario 1909

Öl auf Leinwand. Signatur und Ort (Mandello) unten links. Auf der Rückseite zusätzliche Signatur, Datum und vollständiger Titel. Riccardo Pellegrini, ein Mailänder Maler, war ein Schüler von Domenico Morelli und wurde im Klima der Romantik erzogen. Er war Landschaftsmaler und Genremaler, schuf aber auch wertvolle Stillleben, mit leuchtenden Farben und einer präzisen und realistischen Zeichnung. Seine Landschaftsproduktion stützte sich auf die verschiedenen Orte, die er besuchte und lebte, in Italien und im Ausland, insbesondere in Spanien und Frankreich. In dieser Landschaft bietet Pellegrini einen Blick auf den Berg, der die Stadt am Ufer des Comer Sees überragt: ein karger und kahler Berg, wenn auch bewohnt, mit der Hütte auf dem Gipfel und einer weiblichen Figur, die die Eimer am Strom des fließenden Wassers füllt. zwischen den Felsen; die Farben sind die der Winternebel, die fast quer geteilt sind zwischen dem Graublau des oberen Teils, mit regenbeladenen Wolken, die die Gipfel auf der anderen Seite des Sees dominieren (was man spüren kann, ohne gesehen zu werden), und das Grün-Braun des Landes, das die untere Hälfte einnimmt, mit den ausgestreckten Ästen der kahlen Bäume, um die beiden Hälften zu verbinden. Die Stille der Berge, so der Titel der Arbeit, scheint deutlich durch und durchdringt den Geist des Betrachters. Das Gemälde wird in einem zeitgenössischen Rahmen präsentiert.

Der Engel des Todes 1979

Öl auf Holzbrett. Unten links signiert und datiert. Zusätzliche Signatur, Datum und Titel auf der Rückseite. Angelo Peraticis künstlerisches Schaffen ist geprägt von dem Wunsch nach Ausdrucksfreiheit, der sich bei der Darstellung der Realität auf seine leidenschaftliche Fantasie stützt. Ausgehend von diesem angeborenen Drang, die Realität zu verändern, hat sich seine Kunst in einen mühsamen Forschungsprozess verwandelt, der mit metaphorischen und visionären, manchmal grotesken, exzentrischen Bildern fruchtbar ist, die wir insbesondere in der Produktion der frühen 1980er Jahre entstehen sehen.

Ohne Titel

Öl auf Linoleum, mit folierten Styroporapplikationen. Auf der Rückseite signiert. Mit einer Authentifizierung des Aldo Mondino-Archivs. Der vielseitige Turiner Künstler Aldo Mondino hat seine künstlerische Forschung durch kontinuierliche Metamorphosen zum Ausdruck gebracht, die seine Produktion polymorph gemacht haben: ein unaufhörlicher Versuch, eine persönliche Antwort auf die Veränderungen zu finden, die in den Siebzigerjahren stattfanden, und zu versuchen, die Geschichte der Kunst mit Bildern koexistieren zu lassen von Massenkonsum, persönlichen Fantasien, Religion, Klassizismus, Mystik, Reisen in den Osten, Freunden und Kitsch. Sein hartnäckiger Drang, mit Materialien zu experimentieren – wie Kaffee, Süßigkeiten, Zucker, Schokoladenschmelzen aus seinem geliebten Piemont, aus Amerika importierten Marshmallows, Bronze, Blumen, streng blauem Bic, Keramik und Heraklit-Teppichen – zeigt seine Fähigkeit, Kunst, Handwerkskunst, Gemeinsames Leben, Natur und Religion in einen Dialog bringen. Alles gewürzt mit dem Einsatz von Ironie, um Konventionen mit Anmut zu entlarven. In den 1980er Jahren unternahm Aldo Mondino eine Reise zwischen Marokko und Palästina, die ihn so sehr prägte, dass daraus die Werkreihe der Derwische entstand, tanzende Motive auf Linoleum, die den für die türkische Tradition charakteristischen rituellen Tanz praktizieren durch die Ausführung flüssiger und kreisender Bewegungen. Das Werk wird in einem Rahmen präsentiert.

Entenflug

Bronzeskulptur. Auf dem Sockel eingravierte Signatur. Gino Masciarelli, ein ursprünglich aus den Abruzzen stammender Bildhauer, der in der Gegend von Mailand lebte, nachdem er auch am Experimentellen Zentrum für wissenschaftliche Forschung „F. Marinotti“ in der Lombardei, der sich mit Hochfrequenz-Filmaufnahmen beschäftigte, lernte in vielen seiner Arbeiten, die Instabilität von Körpern in Bewegung und die Auflösung von Materie im Raum einzufangen. In den Skulpturen „Menschengruppen“ und „Flüge“, zu denen das hier vorgestellte Werk gehört, lässt sich die Dynamik des Fluges fast wie in einer fotografischen Sequenz beobachten. Der Künstler selbst sagte: „Auf 300 Metern Film haben nur 8 Sekunden Eindruck gemacht, das Ziel war es, das zu verlangsamen, was das menschliche Auge nicht sehen kann, ich wollte die Bewegung einfangen und die Projektion dieser Sekunden dauerte ein paar Stunden.“ .

Landschaft mit Sonne

Fresko auf Leinwand. Unten rechts signiert. Weitere Signatur und Technik auf der Rückseite. Die im informellen emilianischen Naturalismus angesiedelte Malerei von Bruno Saetti zeichnet sich durch eine ausgeprägte Liebe zum Bildmaterial aus, das reich und konsistent, pastös und gärend, aber auch offen für die Modulationen der Lichtschwingung ist. Seine Serie von „Fresken“ mit der Sonne als dominierendem Thema ist reichhaltig, wie in diesem Werk, das eine große helle Sonne auf einem ziegelroten Hintergrund über einer unbestimmten Landschaft zeigt, in der oben rechts nur eine Basilika zu erkennen ist . Wenn Saettis emilianische Herkunft in den warmen Tönen der roten Ziegel und im sehr eigenartigen Geschmack des Materials (dem Lieblingsfresko) deutlich wird, so ist bei ihm andererseits die venezianische Kontamination erkennbar (Saetti lebte lange Zeit in Venedig). Verweilen in der Farbe, in ihren leuchtenden Schwingungen, im Gefühl des staunenden Staunens über den Raum. Das Werk wird in einem Rahmen präsentiert.

Der Holzfäller 1980

Öl auf Glas. Unten links befinden sich die Signatur und das Datum sowie das Symbol des Künstlers, die stilisierte Figur eines Mannes im Rollstuhl. Es handelt sich um eine Glasarbeit des Malers Mario Previ, der seit seinem achtzehnten Lebensjahr aufgrund einer Tetraplegie infolge eines Sturzes in sein Taro im Rollstuhl lebt und malt. Er sagte über sich selbst: „Die Welt, der Lauf der Zeit, aus dieser Sicht (der Rollstuhl) lehren viele Dinge. Man lernt, jeden Morgen mit einem Ziel aufzuwachen, auch wenn der Körper Schmerzen hat, wenn jede Geste erzeugt.“ Leiden, Abhängigkeit von anderen und Aufgeben könnten eine einfache Lösung sein. Und stattdessen geben mir die Kunst, die Malerei und die Gelassenheit meiner Welt, der Freunde, unglaubliche Energie und geben mir die Kraft zum Leben. Im Jahr 1974, drei Jahre nach dem Unfall, begann Previ, inspiriert durch eine Fernsehsendung über jugoslawische naive Maler, insbesondere durch die Arbeiten auf Glas von Mijo Kovacic, als Autodidakt zu malen und die Kunst des Malens auf Glas zu erlernen, bis er um sich durch seine Bilder bekannt und geschätzt zu machen. In seinen Naivitäten erzählt Mario Previ eine Realität, die fast verschwunden ist, echte Geschichten, wenn auch in einem märchenhaften Ton, er lässt verlorene Traditionen wieder aufleben, Lebensabschnitte, die anderen Generationen gehörten, denen der bäuerlichen Zivilisation (aus der er auch stammt), aber Was aus seinen Visionen am stärksten hervortritt, sind die „forë“, jene, die einst in den „firossi“ zu hören waren, den traditionellen Abenden der Weiler von Parma, an denen man sich traf, um Anekdoten, Geschichten und historische Kuriositäten zu erzählen, oft vor dem Kamin Feuer, wenn es draußen kalt war und schneite. Das Werk wird in einem Rahmen präsentiert.

Das Lagerfeuer unter dem Schnee, 1979

Öl auf Glas. Unten rechts befinden sich die Signatur und das Datum sowie das Symbol des Künstlers, die stilisierte Figur eines Mannes im Rollstuhl. Es handelt sich um eine Glasarbeit des Malers Mario Previ, der seit seinem achtzehnten Lebensjahr aufgrund einer Tetraplegie infolge eines Sturzes in sein Taro im Rollstuhl lebt und malt. Er sagte über sich selbst: „Die Welt, der Lauf der Zeit, aus dieser Sicht (der Rollstuhl) lehren viele Dinge. Man lernt, jeden Morgen mit einem Ziel aufzuwachen, auch wenn der Körper Schmerzen hat, wenn jede Geste erzeugt.“ Leiden, Abhängigkeit von anderen und Aufgeben könnten eine einfache Lösung sein. Und stattdessen geben mir die Kunst, die Malerei und die Gelassenheit meiner Welt, der Freunde, unglaubliche Energie und geben mir die Kraft zum Leben. Im Jahr 1974, drei Jahre nach dem Unfall, begann Previ, inspiriert durch eine Fernsehsendung über jugoslawische naive Maler, insbesondere durch die Arbeiten auf Glas von Mijo Kovacic, als Autodidakt zu malen und die Kunst des Malens auf Glas zu erlernen, bis er um sich durch seine Bilder bekannt und geschätzt zu machen. In seinen Naivitäten erzählt Mario Previ eine Realität, die fast verschwunden ist, echte Geschichten, wenn auch in einem märchenhaften Ton, er lässt verlorene Traditionen wieder aufleben, Lebensabschnitte, die anderen Generationen gehörten, denen der bäuerlichen Zivilisation (aus der er auch stammt), aber Was aus seinen Visionen am stärksten hervortritt, sind die „forë“, jene, die einst in den „firossi“ zu hören waren, den traditionellen Abenden der Weiler von Parma, an denen man sich traf, um Anekdoten, Geschichten und historische Kuriositäten zu erzählen, oft vor dem Kamin Feuer, wenn es draußen kalt war und schneite. Die Arbeit wird in einem Rahmen präsentiert.

Weibliche Figur 1977

Mischtechnik auf Papier. Unten rechts signiert. Auf der Rückseite die eigenhändige Widmung des Künstlers mit Datum. Liberatore verwendet verschiedene Bildtechniken und bevorzugt menschliche Figuren, insbesondere weibliche Figuren, oder rauchende Züge, die in geheimnisvollen Bahnhöfen abfahren. Seine Bilder von Frauen werden mit sinnlichen Gesichtern und Haltungen dargestellt und oft von besonderen Hüten eingerahmt. Kritiker haben Fausto Maria Liberatores Gemälde als Kunst aus Realismus und Mysterium definiert. Das Werk wird in einem Rahmen präsentiert.

Sestante 14 1989

Farbsiebdruck auf Papier. Unten rechts mit Bleistift signiert, nummeriert n. IV/XV unten links. Es liegt eine Foto-Authentifizierung des Kunsthauses „Il borghetto“ in Mailand bei. Das Werk war Teil der Serie „Sestante“, bestehend aus 16 verschiedenen Siebdrucken. 1982 schuf Alberto Burri Sestante, einen großen Zyklus aus siebzehn Cellotexen und einer Eisenskulptur, der von Mai bis September des folgenden Jahres in den Räumlichkeiten der ehemaligen Giudecca-Werft in Venedig ausgestellt wurde. Die Anspielung auf das alte nautische Instrument, mit dem Reisende die Position eines bestimmten Punktes im Verhältnis zum Horizont ermittelten, ist eine Hommage an das maritime Schicksal Venedigs. Die Gemälde sind Burris x-te Herausforderung: In ihrer Kombination bilden die Formen und Farben des „Sextanten“ einen unerschöpflichen Kreislauf, in dem es nicht die geringste Wiederholung gibt. Innerhalb desselben Gemäldes oder in der Gegenüberstellung der einen zum anderen ermöglicht das Kaleidoskop der Formen die Koexistenz quadratischer und krummliniger Strukturen zusammen mit großen chromatischen Hintergründen und dichten visuellen Mustern. 1989 schlug der Künstler den Zyklus erneut als grafisches Werk vor und schuf die Serie „Sestante“. Der Kunsthistoriker Bruno Corà sagte: „Wenn man bei Burri von Grafiken spricht, bedeutet das nicht, dass man von einer im Vergleich zu Gemälden geringeren Produktion spricht, sondern nur von einer anderen und parallelen künstlerischen Modalität in Konzeption und Ausführung, kurz gesagt, dass man dazu in der Lage ist.“ neben all seinen anderen revolutionären innovativen Äußerungen von absoluter Bedeutung in das Schaffen des großen Malers einbezogen werden. Das Werk wird in einem Rahmen präsentiert.

Öl auf Sperrholz

Charles Moody (1979), Öl auf Sperrholz. Signiert auf der Rückseite. Die Arbeit wurde in der Einzelausstellung "Grenzland" an der Galerie 8 in Mailand Corso Venezia, ausgestellt, wie das Papier auf der Rückseite Lable belegt. Charles Moody absolvierte im Jahr 2003 am Art Institute of Boston, und nach drei Jahren in Mailand, wählt in New York leben. In seiner Kunst ist der Fokus bei der Verhandlung (Konzeptkunst, Prozesskunst) statt auf den Bildinhalt und es in diesem Schrott ist, dass die Malerei vom Feinsten. Eine Kunst, die durch die Genehmigung von Fernsehbildern (fast nie Filme) und vor allem aus beliebten Seifenopern erstellt wurde. Moody's Arbeit geht über die Massenmedien Bild durch Anpassen der Auswahl für besondere Bilder, die aus seiner Sicht eine potenzielle Erzählung bieten; Bilder des Übergangs, sind Momente des Übergangs von einer Szene zur nächsten. Der Künstler verwendet eine manuelle Ölgemälde, um die geringe Qualität des TV-Bildes preist die "Unschärfe" der Unschärfe zu reproduzieren. Wir sind einen Verlust der räumlichen Dimension in eine Zeitlichkeit verwechselt-diffuse-immaterielle konfrontiert, die schwierig ist, die Grenzen ("Grenzland") zu erkennen. Diese wahrnehmbare Verzerrungen führen, in welcher Zeit weitet erweitert, jedes Gemälde stellt eine "Indiscernibilità" in denen die Anerkennung des Objekts, die zweite nimmt Platz. Die Moody ist Chronik, Geschichte aber Aussetzung. (Von "Charles Moody, Borderland", kuratiert von Gianni Romano, Ausstellung Katalog, CorsoVeneziaOtto, November-Dezember 2009)

Weiblicher Akt

Ölgemälde auf Leinwand. Unten links signiert. Mino Maccaris künstlerisches Schaffen zielt vor allem auf soziale und politische Satire ab, die vor allem in der Zeichnung zum Ausdruck kommt; darüber hinaus positionierte er sich nie als Richter italienischer Bräuche, sondern vielmehr als amüsanter und amüsanter Chronist der Laster und Schwächen der Gesellschaft. In seinem malerischen Schaffen weicht er zwar nicht allzu sehr von den Themen seiner Zeichnungen ab, betont aber den phantastischen Aspekt stärker: Mit schnellen und entschiedenen Pinselstrichen und leuchtenden, oft heftigen Farben charakterisiert er fast unwirkliche oder eher karikaturistische Figuren. Das Werk wird in einem Rahmen präsentiert.