La Continencia de Escipión

Óleo sobre lienzo. El cuadro analiza una obra similar de Paolo Veronese (1528-1588), fechada hacia 1560-70 y actualmente conservada en el Museo del Prado, a partir de la cual nuestra pintura retoma la composición de las figuras, cambiando todo el fondo y la vestimenta. de los personajes. La obra de Veronese tuvo tanto éxito que fue replicada en su propio taller, con numerosas variaciones: nuestra obra probablemente deriva de una de estas copias, replicada en una época posterior. El episodio narrado está narrado en el libro bíblico del Éxodo y narra el descubrimiento del pequeño Moisés, abandonado por su madre en una cesta a orillas del río Nilo, para salvarlo de la masacre de los hijos de Israel perpetrada por el Faraón; La hija del faraón, que fue al río con su séquito, lo encuentra y lo salva, adoptándolo. Los personajes de la escena están representados con vestimentas del siglo XVIII, en particular el vestido de la princesa destaca por su riqueza y suntuosidad; el único elemento exótico es la presencia de un sirviente negro en la secuela, mientras que el fondo también remite a un paisaje del norte de Europa, con una espesa vegetación boscosa. La pintura, restaurada y revestida, se presenta en un marco del siglo XI.

Óleo sobre lienzo. La gran escena, ambientada en un paisaje montañoso, con un pueblo y ruinas al fondo a la izquierda, está completamente ocupada por el grupo compacto de numerosas figuras vivientes: sentada en el centro, la familia del pastor, observando a su compañero sosteniendo al pequeño en sus brazos en pañales; A su alrededor, los animales, desde el fiel perro pastor hasta los animales del rebaño, ovejas, cabras y vacas, también descansan. Destaca el gran naturalismo de las figuras animales, que remite como modalidad pictórica a las obras de la escuela de Philipp Peter Roos, conocido como Rosa da Tivoli (1657-1706), pintor alemán considerado uno de los mejores pintores de animales activos en Italia en el siglo XVII, caracterizada por la peculiar capacidad de evocar el vellón y la apariencia de los animales. La obra, restaurada y revestida, se presenta en un marco dorado de época.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela veneciana del siglo XVIII. El retrato propone la figura de una mujer joven que viste un traje cotidiano, pero adornado con bordes de pieles manchadas; curiosamente, con el brazo levantado luce un manguito de piel metido sobre una mano, probablemente una costumbre para subrayar una moda de la época. El cuadro presenta signos de restauración, con conservación del lienzo original, aunque reensamblado sobre un nuevo marco. Se presenta en un marco ovalado coetáneo, pero rematado por un friso de madera añadido posteriormente.

Óleo sobre lienzo. Escuela central italiana del siglo XVII. Según la tradición iconográfica, también en este cuadro el ángel de la guarda aparece representado como un joven alado que acompaña a un niño a lo largo de un tramo de camino, indicando al cielo como destino del viaje. Destaca y domina la escena la figura alada, vivaz en sus colores, poderosa en la fuerza física que emana, aunque dulce en su actitud delicadamente protectora hacia el niño, cuya pequeña figura está envuelta en los miembros de su tutor. La escena está encerrada dentro de una guirnalda de flores brillantes y coloridas, que dan color a las figuras, por lo demás situadas en un paisaje oscuro y casi monocromático. La representación de personajes, principalmente religiosos, encerrados en marcos florales tuvo un gran desarrollo especialmente en Roma, ligada a nombres como el de Giovanni Stanchi (1608 -1675), en lugar de Mario Nuzzi conocido como Mario de' Fiori (1603 -1673), y otros. . El cuadro, restaurado y revestido, se presenta enmarcado en listones.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela veneciana de finales del siglo XVIII. El gran cuadro narra el episodio evangélico del encuentro entre Santa Isabel, embarazada de Juan Bautista, y María, esperando a Jesús, pero insertado en una escena coral más amplia: está colocado sobre una gran escalera, probablemente la del templo en el que Zacarías, marido de Isabel, era sacerdote, y multitud de figuras, y está animado por una multitud de figuras, entre las que destacan varias mujeres con niños y familias. Detalle en primer plano a la izquierda, la figura con un niño atado a sus piernas, que mira hacia el espectador, indicando con un amplio gesto de su brazo el acontecimiento central, el encuentro entre las dos santas mujeres. Destacan los colores, que según la tradición pictórica veneciana, son elementos fundacionales de las escenas, que subrayan las figuras y se funden en los diferentes planos tridimensionales. Reforrado y restaurado, el lienzo tiene una ligera grieta en el lado izquierdo. Se presenta en un marco dorado de finales del siglo XIX.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela central italiana del siglo XVII. En su estilo pictórico, el cuadro recuerda la producción de Angelo Caroselli (1585-1652), artista del barroco romano, pintor, copista, restaurador, pero también pasticheur y conocedor del arte, es decir, creador de pinturas "a la manera de " - en la “técnica” y en el “estilo” de un determinado período artístico o de un determinado autor, incluso ensamblando “partes” extraídas de diferentes cuadros. Inicialmente caravaggesco, Il Caroselli desarrolló más tarde su propio lenguaje artístico personal, que fue copiado por muchos artistas menores. En esta obra destaca la expresividad fija y casi exasperada del personaje, cuya elegancia del vestido del siglo XVII y los rasgos casi femeninos del rostro de tez sonrosada contrastan con la tosquedad de la cabeza de Goliat, ensangrentada, con la gran herida de arma blanca. que se destaca contra la palidez mortal. El cuadro ha sido restaurado y revestido conservando el marco de madera original. Se presenta en un marco de madera contemporáneo.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela italiana de los siglos XVII-XVIII. Una gran composición de flores de colores, en jarrones de metal repujado, y algunas frutas esparcidas por el suelo, se colocan junto a una pared que domina un paisaje marítimo: la luminosidad del cielo y del mar a la derecha contrasta con la zona sombreada de la izquierda, sobre el que destacan los colores de las flores. El cuadro, repintado y restaurado, presenta una importante grieta. Se presenta en un marco contemporáneo lacado y dorado.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Italia del siglo XVII. El gran cuadro presenta como tema un conocido tema del Antiguo Testamento, la riqueza del rey Salomón, contada en el Primer Libro de los Reyes: "El rey Salomón superó, por tanto, en riqueza y sabiduría a todos los reyes de la tierra. parte de la tierra para acercarse a Salomón para escuchar la sabiduría que Dios había puesto en su corazón. Todos le traían, cada año, ofrendas de objetos de plata y de oro, vestidos, armas, especias, caballos y mulas". En el cuadro el rey, ricamente ataviado con los símbolos de la realeza (la corona, el cetro, el manto de armiño), escucha de pie a los postulantes que acuden a él para recibir los consejos dictados por su proverbial sabiduría, y a cambio le traen ofrendas acordes con su papel social: algunos agricultores traen como obsequio sacos de grano, fruto de su trabajo en el campo, otros levantan una copa en alto para atraer la atención del rey. Los colores y el estilo pictórico del cuadro hacen referencia a la producción del norte de Italia, especialmente veneciana. La pintura ha sido restaurada y revestida.

Óleo sobre lienzo. El cuadro representa el retrato de medio cuerpo de un joven deshabillé que enciende su pipa sacando fuego con un bastón de la vela colocada frente a él sobre la mesa en la que también reposa una espada: tal vez se trate de un joven caballero en un momento de descanso. Precisamente la vela, única fuente de luz de la escena, sugiere que el artista se inspiraba en la producción de Georges De La Tour (1593-1652), pintor francés del estilo de Caravaggio que se dio a conocer con sus escenas «nocturnas», caracterizadas por figuras, generalmente personas de bajo rango más que modelos históricos o personajes de alta alcurnia, iluminadas por la luz de una vela, creando una atmósfera especial de intimidad. El cuadro, restaurado y reencuadrado, se presenta en un elegante marco.

Naturaleza muerta con pez

Pintura al óleo sobre lienzo. La escena, bastante oscura, se desarrolla en el interior de una cocina rústica, con calderos de cobre colocados sobre una mesa junto con dos pescados y algunas verduras. El estilo y el tema del cuadro remiten a Felice Boselli, pintor emiliano conocido sobre todo por sus naturalezas muertas, de las que creó alrededor de un centenar de obras caracterizadas sobre todo por la caza, los peces y los animales de granja. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco antiguo reutilizado.

Naturaleza muerta con juego

Pintura al óleo sobre lienzo. En la escena, bastante oscura y ambientada en el exterior, como se desprende de las siluetas de los árboles del fondo, se ven algunos pájaros de caza, posados ​​en el suelo o colgados por las patas de las ramas. El estilo y el tema del cuadro remiten a Felice Boselli, pintor emiliano conocido sobre todo por sus naturalezas muertas, de las que creó alrededor de un centenar de obras caracterizadas sobre todo por la caza, los peces y los animales de granja. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco antiguo reutilizado.

Óleo sobre lienzo. La escena narra el episodio bíblico del libro del Éxodo en el que el pequeño Moisés, a quien su madre había confiado al río dentro de una cesta para salvarlo de la masacre de los niños varones israelíes (ordenada por el faraón de Egipto para evitar que la población israelí llegaron a ser demasiado numerosos y podían rebelarse contra la esclavitud), fue encontrado por una sirvienta de la hija del Faraón, quien decidió adoptarlo y salvarlo. La escena, situada a lo largo del río, está enteramente ocupada por las figuras femeninas del séquito principesco, apiñadas y proyectadas hacia el ángulo inferior derecho, donde se coloca la cesta con el recién nacido. Todas las miradas también se vuelven hacia el niño, en la dirección que indica el brazo extendido de la mujer en primer plano a la derecha. Destaca la redondez de las formas femeninas, especialmente de las tres figuras en primer plano, donde juegos de luces y sombras resaltan las tez que emergen de las ropas. Restaurada y revestida, la pintura se presenta enmarcada.