Pintura de la Virgen Dolorosa

Azulejos de cobre decorados con esmaltes. Se trata de una reproducción decimonónica de la Cruz esmaltada de Pascual I (817 -824), importante relicario en cobre repujado y dorado, que conserva en su interior minúsculos fragmentos de la Cruz de Cristo, y que pasó a formar parte del Tesoro depuesto por León. III (795 -816) en el oratorio llamado Sancta Sanctorum de Letrán. La Cruz está formada por cinco paneles, dispuestos en forma de cruz latina, en los que se representan siete episodios de la vida de Jesús con animadas figuras esmaltadas. En el panel superior se encuentran la Anunciación y la Visitación de María; en el panel del centro el Nacimiento de Jesús; a la izquierda la Huida a Egipto y a la derecha la Adoración de los Magos; finalmente, en el antebrazo, la Presentación de Jesús en el templo y el Bautismo de Jesús. Los paneles están compuestos sobre una base de madera y presentados en un marco de vitrina.

Óleo sobre lienzo. Escuela centroeuropea de finales del siglo XIX-principios del XX. Firma no identificada abajo a la derecha. La vista del paisaje muestra un paisaje con bosques de coníferas, atravesado por un arroyo y dominado por picos rocosos. El cuadro se presenta en un marco dorado de principios del siglo XX, con decoraciones y frisos.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela centroeuropea de finales del siglo XIX. La Virgen sentada en el trono, con Jesús dormido en su regazo; a ambos lados un grupo de angelitos, vestidos de niños de diferentes edades, tocan instrumentos y cantan: su concierto es quizás la canción de cuna que acompaña el sueño del Divino Niño. La escena está representada pintada en un altar de mármol, en cuyas balaustradas laterales se colocan los ángeles; detrás de María hay un luneto con un cielo estrellado, mientras que a sus pies hay una paloma y ramas de olivo, símbolos de paz. La obra se presenta en un marco de época.

Pintura al óleo sobre lienzo. Abajo a la derecha firmado Borella y fechado 1894. Probablemente se trate de Rafael Borella (1874 -1953), pintor nacido y formado en Milán pero luego trasladado a Uruguay. Su primera producción italiana incluye paisajes venecianos y del Valle de Aosta. Este cuadro, que ofrece una vista de la montaña, con prados atravesados ​​por un arroyo cerca del cual se sienta un pescador. Por tanto, la escena podría ser una producción juvenil de Borella, adecuada a él en términos de tema y estilo. La obra se presenta en un marco contemporáneo.

Óleo sobre tabla. Escuela del norte de Europa de finales del siglo XIX. En la composición del interior de un cobertizo, la caza se encuentra en un nivel; a la izquierda aparece el hocico del perro de caza, pero orientado hacia un nido lleno de pájaros cantores, situado encima del eje del carruaje que se ve a la derecha. La pintura se presenta en un marco de época.

Cromolitografía sobre papel, enriquecida con aplicaciones de metal plateado que definen los halos de la Virgen y el Niño. La litografía ovalada también se encuentra en una vitrina exquisitamente enriquecida con inserciones de metal plateado y dorado, que definen otros marcos con decoraciones de motivos puramente florales. La representación presenta a la Virgen sosteniendo la corona del rosario en la mano y al Niño Jesús en brazos, flanqueada a los lados por dos santos de la orden dominicana. El otro marco con cristal está hecho de madera con tallas doradas.

virgen con el niño

Óleo sobre madera prensada. Firmado abajo a la derecha. Francesco Mazzucchi, artista originario de la zona de Pavía y activo en Lombardía, se dedicó principalmente al arte sacro, dejando sus obras en algunas iglesias de la zona de Vigevano. Aquí se propone esta delicada y tierna representación de la Virgen con el Niño, en colores y escena, que ve a madre e hijo en un momento de intimidad doméstica, decididos a jugar con las palomas en el jardín. En el marco de.

Pintura al óleo sobre lienzo. Lo más probable es que sea una representación pictórica de un trágico episodio antisemita. A la derecha, un soldado con uniforme ruso, herido al regresar a casa, encuentra ante sus ojos la dramática escena de la familia asesinada, que el rabino observa en oración. La ventana rota y los cajones saqueados indican la incursión forzosa de los asesinos. A la izquierda del espejo encontramos una inscripción en hebreo que podría sugerir la ubicación o la huella que propone el artista. La palabra podría traducirse como "Ciro", y podría referirse a la zona de Georgia y Azerbaiyán atravesada por el Kura, un río que desemboca desde Turquía en el Mar Caspio, conocido precisamente en el siglo XIX como Ciro. La pintura, restaurada y revestida, se presenta en un marco del siglo XIX.

Aceite sobre la mesa. La pintura reproduce pictóricamente la famosa escultura de Miguel Ángel, la Pietà de San Pietro o Pietà Vaticana. La composición de las figuras es bastante fiel a la obra de referencia, pero, además de estar pintadas en color, se sitúa en un escenario al aire libre que remite a la pintura renacentista, con el cerro del Calvario emergiendo en sombras a la izquierda. Un escudo de armas está pintado en la parte inferior izquierda, evocando un mecenazgo nobiliario. La obra se presenta en un marco de época. Tiene varias manchas y pequeñas gotas de color.

Lápiz, carboncillo y albayalde sobre papel. Firmado (¿Amalia Bianchi?) Y fechado en la parte inferior derecha. El uso de diferentes pigmentos pictóricos es muy efectivo, creando un juego de luz y oscuridad y subrayando bien los elementos de la figura. El retrato se presenta en un marco de madera del siglo XIX, adornado con inserciones de cuero en forma de hojas y flores, con algunas pequeñas caídas y deficiencias.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela francesa de finales del siglo XIX. Rastro de firma no identificada en la parte superior derecha. En primer plano, los rostros de dos personajes populares que parecen caricaturizados, quizás personajes de una representación teatral: parece el escenario de un cortejo satírico, con el hombre que mira con lascivia a la mujer, ciertamente no joven y atractiva, que sostiene un ramo de flores con una expresión entre resignada y confusa. La pintura se presenta en un marco de principios del siglo XX.

Óleo sobre lienzo. El cuadro analiza una obra similar de Paolo Veronese (1528-1588), fechada hacia 1560-70 y actualmente conservada en el Museo del Prado, a partir de la cual nuestra pintura retoma la composición de las figuras, cambiando todo el fondo y la vestimenta. de los personajes. La obra de Veronese tuvo tanto éxito que fue replicada en su propio taller, con numerosas variaciones: nuestra obra probablemente deriva de una de estas copias, replicada en una época posterior. El episodio narrado está narrado en el libro bíblico del Éxodo y narra el descubrimiento del pequeño Moisés, abandonado por su madre en una cesta a orillas del río Nilo, para salvarlo de la masacre de los hijos de Israel perpetrada por el Faraón; La hija del faraón, que fue al río con su séquito, lo encuentra y lo salva, adoptándolo. Los personajes de la escena están representados con vestimentas del siglo XVIII, en particular el vestido de la princesa destaca por su riqueza y suntuosidad; el único elemento exótico es la presencia de un sirviente negro en la secuela, mientras que el fondo también remite a un paisaje del norte de Europa, con una espesa vegetación boscosa. La pintura, restaurada y revestida, se presenta en un marco del siglo XI.