Pintura de la zona de Giuseppe Maria Crespi - Magdalena penitente, ca. 1750.

Bodegón con uvas, higos, granadas y melocotones.

Pintura al óleo sobre lienzo. Firmado “Máx. FP”. en el marco superior del capitel. El bodegón está compuesto por uvas, granadas y duraznos colocados sobre un capitel, en la composición también hay una bandeja de plata; al fondo un paisaje con árboles y ruinas, a la izquierda se vislumbra un rincón de cielo cerúleo, apenas velado por las nubes. Maximilian Pfeiler se consagró por sus naturalezas muertas en las que, como telón de fondo de las flores y los frutos, colocaba un fragmento arquitectónico, introduciendo ya ese gusto por las ruinas antiguas que se consolidó plenamente en el siglo XVIII. La pintura ha sido revestida y restaurada (pequeños repintados). Se presenta en un marco elegante.

La Magdalena penitente y San Juan Bautista

Óleo sobre pizarra. Se proponen aquí dos ejemplos de pintura al óleo sobre piedra, un género pictórico especialmente popular en la República de Venecia entre los siglos XVI y XVII, en su forma de pintura al óleo sobre pizarra o piedra de toque. La elección de una piedra tan oscura como fondo no sólo está ligada a razones prácticas (la proximidad de las minas de Brescia y Val Brembana), sino que, como demuestran claramente nuestras dos obras, la aparición de las figuras del fondo oscuro responde a la luz también colmó las nuevas necesidades de la pintura de la época, que en el clima de la Contrarreforma, tendía a expresar no sólo las certezas existenciales idealizadas del pleno Renacimiento, sino también las inquietudes y la apertura a nuevas fases. , tendiendo ya con Tintoretto hacia una mayor atención a la realidad y a los contrastes luminísticos, para luego desembocar de manera abrumadora en investigaciones del siglo XVII fuertemente centradas en la combinación contrastante de luces y sombras. Las dos obras aquí presentadas, muy dentro de la producción del área veneciana de las primeras décadas del siglo XVII, proponen dos figuras de santos, ambos ermitaños, colocadas sobre un fondo naturalista oscuro y apenas visible. La figura de Magdalena emerge de la oscuridad, inclinándose para seguir la curva del soporte de piedra; se la representa mirando inquisitivamente hacia la oscuridad, como si estuviera escuchando, con la mano izquierda levantada y la otra apoyada en el notablemente acortado "memento mori". Frente a ella un látigo y el frasco de ungüento. Pintado en colgante, San Juan Bautista está representado de joven, con un cordero a sus pies, en su mano la cruz procesional con el estandarte "ecce agnus dei", mientras que con su mano derecha saca agua de la fuente, recordando el episodio que verá a Jesucristo bautizado. En ambos cuadros las figuras destacan de forma contundente e incisiva gracias al negro que caracteriza la placa de pizarra sobre la que están representadas. Los dos cuadros, de formato ovalado, se presentan en marcos de madera negra, de finales del siglo XIX.

Escuela flamenca del siglo XVI.

Óleo sobre la mesa. Escuela flamenca del siglo XVI. La obra tiene una placa en la base que la atribuye a Lambert Van Noort (1520 -1571), justificada por la cercanía a sus métodos pictóricos que se puede encontrar en los rostros de Jesús y Magdalena, pero no confirmable en el resto de partes del cuadro. . La obra relata el episodio del Evangelio de Juan en el que los escribas y fariseos llevaron a Jesús a una mujer acusada de adulterio, para comprobar su observancia de la ley de Moisés, que incluía la lapidación. Pero Jesús, inclinándose hasta el suelo, comenzó a escribir con el dedo en el polvo, luego, cuando se le instó, pronunció las palabras "Cualquiera de vosotros que esté libre de pecado, que tire la primera piedra", salvando a la mujer y posteriormente perdonándola. El gran escenario está lleno de un grupo numeroso y compacto de personajes. Jesús en el centro, es la única figura inclinada en el suelo, distanciada del resto del grupo y fija en su gesto de escribir con un dedo; detrás de él, con una precisa alineación vertical de su rostro con el de Cristo, está la mujer acusada, que cubre su cuerpo con su manto observando el gesto de Chrsito, mientras espera la sentencia; Alrededor de los escribas, los fariseos, algunos soldados, que en cambio hablan animadamente entre ellos, están agitados, enfrentándose unos a otros, indicando lo que Jesús está haciendo. El tema estuvo ampliamente representado en la pintura flamenca, con diferentes métodos interpretativos. Si en este cuadro la escuela flamenca se percibe claramente en los rostros de rasgos duros y en los cuerpos más bien rígidos en los movimientos de los escribas y fariseos, así como en la representación del edificio al fondo y en la minuciosa representación del zapatos en primer plano a la derecha, los dos Las figuras de Jesús y la mujer están en cambio afectadas por la influencia italiana, que suavizó los rasgos de los rostros, dio a los movimientos del cuerpo mayor compostura y gracia, y con la ayuda de un color más brillante. los hizo destacar entre las demás figuras. El panel del cuadro fue sometido a restauración y entarimado en la primera mitad del siglo XX. El cuadro se presenta en un marco antiguo adaptado.

Óleo sobre la mesa. Escuela central italiana de la segunda mitad del siglo XVI. La escena sagrada de la Anunciación ve a las dos figuras protagonistas colocadas en primer plano en un interior que corresponde a la habitación de María. La joven está sentada frente a un pequeño escritorio de madera, sostenido por figuras de ángeles, sobre el que descansa el libro de oraciones y un pequeño jarrón con flores; a sus pies, el costurero. El cuerpo de María está parcialmente girado hacia atrás, en un movimiento retorcido, casi como si intentara escapar, como si quisiera alejarse de la otra figura, la del Arcángel Gabriel. Está de pie a la derecha, majestuoso y elegante, con una mano sosteniendo un lirio y la otra apuntando hacia arriba, sobre él, donde la paloma blanca, símbolo del Espíritu Santo, emerge de un hueco de luz. Al fondo, altas columnas con cortinas coronan la plataforma sobre la que descansa la cama de Mary. La composición remite, en el estilo figurativo y en las elecciones cromáticas, a la pintura ya manierista de las escuelas del centro de Italia: en particular, hay una fuerte concordancia de estilo y composición con algunas obras del mismo tema del pintor Bastiano Vini Detto. Bastiano Veronese (1525/1530 - 1602), que vivió y trabajó en Pistoia hacia 1540. Es en esta ciudad donde se encuentran algunas de sus Anunciaciones: en particular la de la Iglesia de Santa Maria delle Grazie (un retablo de más de dos metros de altura), muestra claras similitudes a nivel formal y compositivo con la que aquí se presenta. . Hay concordancia en la ambientación de la escena sagrada: una habitación, al fondo de la cual hay una cortina que cubre parcialmente una cama, amueblada con los elementos esenciales para la narración, el atril y la silla ricamente decoradas con cariátides de querubines o ángeles. que parecen tallados en la madera. El esquema compositivo se corresponde, aunque con ligeras variaciones, con las dos figuras dispuestas "a modo de friso" en el mismo plano de colocación, y también se corresponden los rasgos somáticos de la Virgen y el Arcángel. Sin embargo, difiere el suelo, que si bien en nuestra mesa es homogéneo, en Pistoia se presenta con colores alternados en forma de damero, pero parece que este diseño del suelo se añadió en una época posterior, con motivo de la reconstrucción de el altar en 1637 -1639, junto con el de otra obra del mismo Sebastiano Vini en la misma iglesia, una Conversación Sagrada. Por tanto, parece bastante seguro que nuestro panel fue pintado siguiendo la obra de Bastiano Veronese, probablemente por petición expresa del cliente, y antes del cambio de suelo, por lo que se remonta a la segunda mitad del siglo XVI. La pintura ha sido restaurada, con la aplicación de dos refuerzos en la parte posterior del panel. Se presenta en una ambientación de finales del siglo XIX. (Referencia del retablo de Pistoia: Catálogo del patrimonio cultural https://catalogo.beniculturali.it/detail/HistoricOrArtisticProperty/0900035285)

Paisaje nevado con figuras 1872

Pintura al óleo sobre lienzo. Firmado, fechado en 1872 y ubicado en Parma en el ángulo inferior derecho. Se trata de un gran paisaje invernal de fuerte impacto escénico, que encaja bien en el tradicionalismo escenográfico de la pintura de Mentore Silvani, artista nativo de Traversetolo (Parma), paisajista pero también conocido como escenógrafo. En la escena, salpicada por el blanco de una corta nevada que crea esa típica atmósfera invernal enrarecida y silenciosa, entre árboles desnudos y secos, un camino de terracería serpentea atravesado por un viajero; a la derecha un edificio en ruinas con un lavadero donde una mujer saca agua; en el centro una pequeña columna sobre la que está montada una imagen sagrada. Formado en su ciudad natal, Silvani participó en las exposiciones del Estímulo de Parma a partir de 1864, y es principalmente en su ciudad donde sus obras se encuentran hoy (en el Municipio de Parma, la Galería Nacional, la escuela secundaria artística Paolo Toschi) ; sin embargo, también expuso en Milán (1872) y Florencia (1875). Formado como escenógrafo en la escuela de Gerolamo Magnani, Silvani ocupó este cargo en Parma pero también en Venecia a partir de 1871. Su producción pictórica, que incluye principalmente paisajes rurales de la campiña de Parma, se caracteriza siempre por la fidelidad a la realidad. El trabajo propuesto aquí se presenta en un marco contemporáneo.